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協奏交響曲KV.297b(K.AnhC14.01)覚え書き(1) [MOZART]

 18世紀・啓蒙時代のヨーロッパで、最も後世に影響力の大きいオーケストラが、選挙候カール・テオドールの宮廷楽団であったことに異論は出ないであろう。

 この楽団によせて書かれた作品の作曲者たちはといえば、ひとくくりにされて「マンハイム楽派」と呼ばれてしまっている。モーツァルトの手紙によって、楽団の名手の方が、ずっとよく知られているのである。

 モーツァルトが1787年に母を伴っての求職「マンハイム・パリ旅行」は波乱に富みまさに過酷で悔悟の情さえ生じさせるものであった。しかし、マンハイムで管楽器の名手たちに出会い、彼らに触発され、彼らのための曲を書いたことは。モーツァルトのこの時期の音楽を考えた時、最も重要な部類に属すると思われる。「フルートのヴェンドエリング、オーボエのラム、ホルンのプント、ファゴットのリッター」のために「パリのコンセール・スピリチュエルで演奏するサンフォニー・コンセルタント」を書いたという記述がモーツァルトの手紙にある。

 しかし、様々な理由から(やっかみによる同業者の妨害?)この作品は演奏されず、譜面も行方不明になった。しかも突如として、編成をオーボエ・クラリネット・ファゴット・ホルンのソロに変えた楽譜が、19世紀・1860年代になって、モーツァルト研究者として名高いオットー・ヤーンの蔵書から出てきた。

 マンハイムのオーケストラは初めてクラリネットを標準装備としてもった楽団である。モーツァルト没後の比較的早い時期に、編成を変えて演奏される機会があって、そのときに使われた編曲譜が現在に伝わっているらしい。モーツアルトの晩年(!)にはクラリネットのクインテットもコンチェルトもある。ケーゲルシュタット・トリオもクラリネットが主役だし、交響曲第40番に対しては、わざわざクラリネットのパートを書き足した版まで作っている。

 これらのことから、もしかしたら、kv.297B→kv.297bへの編成の変更に作曲者もかかわっていたのではという空想にさそわれる。

 しかし、パート譜を見てみると、モーツァルトではあまり例を見ないディヴィジョン(同じパートを2分割して別々の奏者が弾く)が目立っている。そして、すべての楽章が変ホ長調となっている。こういう例もモーツァルトにはない。ケッヘルの第6版で与えられた「c」は「疑作ないし偽作」の意味である。海老沢敏先生もkv.297b(オーボエ・クラリネット・ファゴット・ホルン;譜面が伝わっている方)はkv.297B(フルート・オーボエ・ファゴット・ホルン:楽譜が失われている:原曲)の「遠い影にすぎない」としている(『モーツアルト大全集第5巻』小学館)。

 勿論、協奏交響曲が造られたことは間違いなく、その時期はモーツァルトのマンハイム・パリ旅行中である。ケッヘル番号がそれを示すものとなっている。これは余談だが、現代きってのモーツァルトの碩学、ニール・ザスラウが、責任編集に当たるケッヘル・カタログ「第8版」がそろそろ刊行されるころである(すでに刊行された?)が、この第8版では単にKV.297となっているのであろうか

 私がこの作品に親しんだのは、学生時代に高田馬場にあったレコード店タイムで「MOZART AU PARIS」というエラート盤の2枚組LPを買った時からである。ピエルロ(オーボエ)・ランスロー(クラリネット)・オンニュ(ファゴット)・クールシェ(ホルン)という往年のフランスを代表する名手がソロをつとめる色彩の豪華版であって、現在でもこれを凌駕する演奏に出合った経験がない。バックはまだ30代だったウィーンの指揮者グシュルバウアー~彼はその後読売日本交響楽団を振りに何回も来日している。私が聴いた、第9を振る彼は、淡々と音楽を運ぶ手堅い指揮者だった~と、バンベルク交響楽団だった。

 また、いつ頃だったか、めったに日本のオーケストラに言及した批評を書かない吉田秀和先生が、日本のオーケストラの高水準に、音楽愛好家はもっと気付いた方がいい、という主題で、N響をとりあげたことがあった(朝日新聞)。そのN響の取り上げた曲が、kv.297bだった。吉田先生がほめていたのは、管楽器の名手たちのこと。オーボエ小島庸子氏。クラリネットが浜中浩一氏、ファゴットが霧生吉秀氏、ホルンが千葉馨氏だったと思う。千葉さんと浜中さんは鬼籍に入られ、天上で、モーツァルトとふざけあったりしているかもしれない。私がスィトナー指揮でコンサーとアリアを(カサピエトラのソプラノで)聴いたころだろうか?ウェラ―指揮でレクイエムを、リり・クラウスが弾く23番のコンチェルトを聴いたころだったろうか?

 そして、ベームとウィーンフィルの名手が1976年に録(い)れた演奏である(オーボエ;ワルター・レーマイヤー、クラリネット;ペーター・シュミードル、ファゴット;フリッツ・ファルトゥル、ホルン;ギュンター・ヘーグナー:DG盤)。ひなびた風情のクラリネットと、驚くほどの親和性を聴かせるファゴットとホルン。パッセージの歌い出しを担当することの多いオーボエの軽やかさ。リズムは腰の強いバネのようにしなやか且つ重厚だ。第2楽章のじっくりと遅いテンポに、晩年のベームはどんどんテンポが遅くなって云々の批判めいた言質が頭をかすめるが、しかし、譜面を見るとアダージョとある。このベームがとったテンポはまさに全曲の要になっているアダージョ、ではないか。第3楽章の変奏曲ではウィーンフィルのソリストたちの気品と素朴さと名人芸に酔いしれる思いがする。

 そうそう、第1楽章の再現部の直前、ぐっとリタルダンドして間をとってからテーマの再提示が行われているのには誰でもすぐ気付くでしょう。ここにベームの見出したモーツァルトの不意打ち的な、一筋縄ではとらえられない音楽の秘密を聴くのは私だけだろうか?

 さて、この作品を10月にお世話になっている市民オーケストラで演奏する。私にとってモーツァルトの作品を弾けるというのは無上のよろこびである。おそらく迷いもなく、この作品をモーツァルトの真作と考えて、作品世界に入り込んでいくことになると思われる。そろそろ初回練習日も近い。楽器をケースから出してさらわなくては・・・

ウィリアムス・ディーリアス・ウォルトン [音楽鑑賞]

 イギリス音楽の第一人者とたぶん認識されている尾高忠明氏が藝大フィルと3日間リハーサルして、イギリスの音楽を3曲演奏した。

 どの曲もおそらくこれから生で聴く機会は私にはないだろう。

 レイフ・ヴォーン=ウィリアムス「タリスの主題による幻想曲」(弦楽合奏)、フレデリック・ディーリアス「楽園への道」、ウィリアム・ウォルトン「交響曲第1番変ロ短調」。

 フランスの巨匠で、私も大好きで幸い何回も生演奏に触れることのできた、ジャン・フールネ。彼が90歳を過ぎてからのインタビューで、「日本の皆さんに1局でも多くフランス音楽の知られざる名曲を紹介することを続けてやりたい」と語っていたのを思い出す。その時のプログラムには「ラムンチョ」とか「シャイロック」といった曲が含まれていた。あれから日本で何回プログラムに載っただろうか?

 同じような事情が今日の曲にもあるだろう。

 尾高さんは3曲の指揮を終えて、異例にもマイクを持って現れ、開口一番「疲れる曲です」。もちろん会場は笑い声で応えたが、私は複雑な思い。プログラムにも書いてあったのにさらに尾高さん「イギリスの音楽は大嫌いだった」と。イギリスの音楽への共感を表わす言葉はついぞ聞かれずだったが、要は、イギリスの音楽をまだ我々は体験し学習している段階だ。と言いたいのだ。「もし今日の演奏でイギリスの音楽がちょとtでも面白いと思ったら演奏会に出かけてみてくれ。」これは、お客さんを立てた謙遜したものいいだろう。

 演奏は渾身のもので、音をそこに置きに行ったとか、譜面がそう書いてあるからそう弾くというレベルははるかに超えていた。コントラバス7本の14型だが、弦の音は明瞭、金管はよく鳴り、打楽器は意欲的だった。

 しかし、レイフ・ヴォーン=ウィリアムスの曲は2群の弦楽オーケストラと第オーケストラでは各パートの主席のカルテットのために書かれている。視覚の助けで音響・音量の変化がわかり、音楽にはついていける。CDで聞くと、かなりとらえどころがないだろう。

 ディーリアスの曲が結局一番パステル画風で温かく抒情的だったと言えるのだろう。だがこれも印象派風で、旋律的なとらえどころがない(ように私には聴こえた)曲。

 ゥオルトンの交響曲は、循環形式で書かれているというが、まったく私はわからなかった。主題が一度聴いて頭に入るような性格的なものではない。そして延々と解決されない和音が続く。第2楽章のスケルツオが際立ってリズミックではあるが、やはりメロディーラインはつかみづらい。第3楽章はすこしシベリウス的な雰囲気もある。そして響きが際立って明るく鳴ったフィナーレでも、未解決な音楽が延々と続く。最後はシンバルとタムタムの助けと、モティーフをぶった切って投げつける書き方で、そう、力で曲を閉じるというもの。

 尾高さんはカラヤンがこの曲を「20世紀最大の交響曲だ」と評価していたことをプログラムに書いている。

 明らかに後期ロマン派に属する曲だが、私にとっても勉強。後期ロマン派および20世紀の交響曲はどうも苦手。アマチュア・オケの楽員さんが「マーラーやりたい。第7番がいい」などというのを聞いても、私はただびっくりするだけ。今日の曲だって、以前、尾高さんがサントリー学芸賞を受けた時の記念演奏会で聴いたエルガーの第1交響曲だって、好んで2度め3度めを聞こうとは思わない。

 晦渋で、長々としていて、とりとめがない音楽、暗い影のイメージが離れない音楽。まじめな、真面目さをそのまま真面目に示した音楽。

 20世紀の交響曲をそうたくさん聴いているわけではないが、プロコフィエフの「古典交響曲」は何回も聞いているし、ショスタコーヴィッチの第8交響曲とメシアンのトゥランガリーラ交響曲はまた聴きこんでみたいと思う曲である。

 ユーモアや感覚的な喜びが宿っていない音楽にすっと入り込んで行けないということなのかもしれない。「やあ、こんにちは」と言ってくれる音楽、「キミの今日の服の色ステキだね」の音楽。そういえば、私はオーケストラや職場でもチヤホヤされないとノリが悪い。、

悲愴覚え書き(番外編) [音楽活動]

 そういうわけで、悲愴をメインプロにした本番が終わり、腑抜けの呆助みたいになっています。

 先生の指揮は一点一角をおろそかにす るなという気迫のこもったもの。しかも、燕尾服のシルエットが大変美しく決まっていて、気品のある演奏で応えなくてはという気にさせるものでした。

 畏友ハール・シューリヒト氏は、「粒立ちが良い音を響きが包み込んでくれていた」と。恐ろしいことです。なんと細かいことまで聴いているのだろう!さらに「第3楽章の三連譜のクレッシェンド・ディミヌエンドがとりわけくっきりと弾かれていた」とも。そこは私(たち)がとくに気合いを入れて弾いていた部分。

 さらに噂によると、悲愴の終楽章で、何人か泣いている聴衆の方がいらっしゃったとのこと。

 驚くべきことです。

 私のお世話になっているオーケストラの団員平均年齢がおそらく60歳近い。その年輪のなせる技なのでしょうか。

 それにしても悲愴の演奏で泣いていただくなんて。メンゲルべルクやフルトヴェングラーの悲愴で人々が泣いたという伝説的な話は聞いたことがある。それは多分に、大戦前夜という時代の空気のなかでのことかと思っていました。

 これまた畏友、にくにく先生、彼はたいへん音楽の造詣が深く、特にフルトヴェングラーを聴きこんでおられる方ですが、その鑑賞(に値するか否か)の基準を「感動できるか」に置いています。

 今日の聴衆の方々や、にくにく先生のような、全的な心の在り方。尊重されるべきものでしょう。おそらくプロ・アマ問わず、演奏行為にかかわる者は、心の深いところに届く演奏をこそ、と、心に留めておくべきに、ちがいありません。

 音楽は人生そのものであり、人間性そのものである。心から出でん、心に至らんことを(ベートーヴェン)。

 
* なお、今日演奏した曲はスラブ行進曲、眠りの森の美女(組曲:作品66a)、悲愴。ホール撤収時間が迫っていたため、アンコールはなし。

悲愴覚え書き(8)作品世界を生きる [音楽活動]

 「悲愴」交響曲は、チャイコフスキー最晩年の作品である。この作品の完成直後、彼はコレラに感染して、命を落としてしまう。最新の研究でも、作曲家のコレラ死亡説が有力のようである。

 そして、この交響曲を、作曲者自身が、完成の少し前から「悲愴」と呼んでいたことも、チャイコフスキーと友人との手紙の文面から明らかにされているという。

 「悲愴」を巡る思想的な吐露が全編を覆う交響曲。死の想念や諦念、慰め、抗い、こういう人生的な激しく、あるいは澄み切ったイメージが支配する交響曲。あるいは、メッセージ性の強いジャンルとしての交響曲、全体の構成力がものをいう音の大伽藍としての交響曲。

  この曲はファゴットの、3度音程を順次進行で昇って一全音下降する、ソロに始まり、チェロのモノローグで終わるが、ともに出てくる音の形は、いったん上昇してから下降する順次進行である。順次進行は、第1楽章序奏部のテーマと主部第一主題だけでなく、第2主題も下Fis・E・Dの順次進行と分散和音を組み合わせたものである。この順次進行が半音的に進行する部分も多く、そういう箇所はいかにも悲愴というか、救いようのない人生の真理の想念が強く感じられる。

 そして、終楽章の第2主題が順次進行の下降音型で出てくるときの慰め。ブラームスの第4交響曲第2楽章第2主題のような、憂愁はもはやなく、ワーグナーのトリスタンに聴く陶酔からも遠い。冷徹だけれど慰めの音楽。これはチャイコフスキー最晩年に到達した、ほかの誰も書かなかった音楽のような気がする。

 こういったものを曲の端々に感じられるかな、と思い始めたころ、私がお世話になっている市民オケは本番を迎えてしまうのである。

 各楽章で、なかなか全貌を現さないテーマ。これは第1楽章もそう。第3楽章もそう。第4楽章もそう。

 フィナーレ冒頭はテーマの音型が第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリンに一音ずつあてがわれて示される。それすらも、テーマの提示・明示をためらう、隠ぺいされる運命を象徴する書き方と解せられる。最近の演奏では、フィナーレ冒頭をテーマのメロディーラインにあえて整えないものが一般的になっていると、指揮の先生は指摘される。したがって、われわれはここを無造作と言ってはなんだが、あえて滑らかなラインを表出するようには弾かない。

 ふと絶望の淵に突き落とされるような叫び(第1楽章の展開部冒頭はその好例)。そして孤独感をかみしめながら終わりが迫る終曲結尾部。全体の構想も、部分部分の作りも、主題の音型も、たいへんにロマン的である。突発的に咆哮したり叫びをあげたりする金管も、この作品のロマン派=感情の優位の側面を強くあらわしている。

 これは、ロマン派の大作であり、作品世界の感情的追体験を抜きに演奏できない曲である。

 YOU TUBEには63歳だった時の岩城宏之指揮N響きによる、フィナーレがアップされている。粘り気のある音で引きずるようなリズムで演奏される「悲愴」は、センチメンタルであるが、作品世界のある面を明瞭にとらえた演奏といえるだろう。ロマン的な想念がどう鳴り響く音で表わされていくのか、をそこで聴くことができる。

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